viernes, 3 de mayo de 2013

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The Doors

The Doors The Doors fue una banda de rock estadounidense, formada en Los Ángeles (California), en julio del año 1965 y disuelta en el año 1973. Junto a Jefferson Airplane, Grateful Dead y Pink Floyd, se convirtió en uno de los máximos exponentes de la psicodelia de los años 60. El grupo es considerado uno de los más influyentes en la historia del rock, y ha sido descrito como una de las bandas más innovadoras y poderosas en la historia del rock. Aunque la carrera de The Doors terminó en 1973, su popularidad se ha mantenido. Según la RIAA , han vendido 32,5 millones de unidades certificadas en los EE.UU. La banda ha vendido más de 100 millones álbumes en todo el mundo. Ray Manzarek y Robby Krieger siguen de gira como " Manzarek-Krieger "o "Ray Manzarek y Robby Krieger de The Doors para cuestiones legales, interpretando canciones Puertas exclusivamente. The Doors fue la primera banda estadounidense de acumular ocho discos de oro consecutivos. En 1993, The Doors fueron incluidos en el Rock and Roll Hall de la Fama . Orígenes: 1965–1966 The Doors en Copenhague en 1968. En 1964, en la playa de Venice, Jim Morrison encontró a un viejo compañero de la Universidad de UCLA, Ray Manzarek, cuatro años mayor que él. Ahí mismo comenzaron una casual conversación, y Morrison le dio a leer a Manzarek la letra de Moonlight Drive, un poema que Jim acababa de escribir, entonces Ray (fanático de blues y rock de la época) le pidió a Jim que le cantara el tema, con el cual Manzarek quedó fascinado, y decidieron formar una banda. Ray Manzarek ya estaba en una banda, llamada Rick And The Ravens con su hermano Rick, mientras que Robby Krieger y John Densmore tocaban en The Psychodelic Rangers y conocían a Manzarek de unas clases de meditación. En agosto, Densmore se unió al grupo y con algunos miembros de los Ravens y un bajista no identificado, grabaron el 2 de septiembre una demo de 5 temas. Esta demo fue parcialmente pirateada, y esa fue la única manera de conseguirla hasta su aparición en el Box Set de The Doors, publicado en 1997. Ese mismo mes, el grupo reclutó al talentoso Robby Krieger y la alineación final —Morrison, Manzarek, Krieger y Densmore— estaba completa. La banda tomó su nombre de un verso del poeta William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite." (Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito), que también daba título al libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception. The Doors se diferenciaba de muchos grupos de rock de la época, porque no usaban un bajo en concierto, enfatizando también el hecho de haber sido influidos por diferentes grupos de rock de la época, así como el destacado género del blues. En vez de esto, Manzarek tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda en su novedoso piano Fender Rhodes, una nueva versión del ya conocido piano Fender Rhodes, y las melodías del órgano con la mano derecha. Sin embargo, el grupo usó algunos bajistas en sus grabaciones de estudio, entre ellos Jerry Scheff, quien tocó luego en más de 1,100 conciertos para Elvis Presley (de 1969 hasta su muerte en 1977), así como Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry Magness, Lonnie Mack y Ray Neapolitan. Muchas de las canciones originales se hicieron en conjunto. Morrison aportaba las letras y parte de la melodía, y el resto contribuía con el ritmo y el sentimiento de la canción. Mientras Morrison y Manzarek caminaban por la playa en California, vieron pasar a una mujer negra, y Morrison escribió la letra de "Hello, I Love You" esa misma noche, refiriéndose a ella como la "joya oscura" (dusky jewel). Algunos criticaron la canción por su parecido con el hit de The Kinks "All Day and All of the Night" (1965), y el vocalista de este grupo, Ray Davies demandó a The Doors. Para 1966, el grupo tocaba en el club The London Fog, y ese mismo año se cambió al prestigioso Whisky a Go Go.1 El 10 de agosto el presidente de Elektra Records, Jac Holzman, los vio debido a la insistencia del vocalista de Love, Arthur Lee, cuyo grupo también estaba en Elektra. El 18 de agosto, después de que Holzman, y el productor Paul A. Rothchild vieran dos actuaciones de la banda en el Whisky A Go Go, la primera algo irregular, pero la siguiente simplemente hipnotizante, The Doors firmó con Elektra. Así empezó lo que sería una significativa relación entre la banda, Rothchild y el ingeniero Bruce Botnick. El 21 de agosto del mismo año, el club despidió a la banda por un incidente en una presentación de "The End", que vendría a anunciar toda la controversia que seguiría al grupo en sus años de historia. Morrison, gritó, en la parte "edípica" de la canción, "Father? Yes son?, I want to kill you", "Mother? I want to fuck you". 1966–1967: The Doors El LP homónimo de The Doors, lanzado en enero de 1967, causó sensación en los círculos musicales. En este disco aparecían muchas de las grandes canciones de su repertorio, incluyendo el drama musical, "The End". La banda, habiendo tocado las canciones durante los dos años anteriores y teniendo sistematizada las mismas, grabó el álbum en un par de días, a finales de agosto y principios de septiembre de 1966, casi enteramente en vivo en el estudio y muchas canciones en una sola toma. Morrison y Manzarek también dirigieron una innovadora forma de promocionar su primer single, "Break On Through", filmando un video promocional, un significativo avance en el género de los vídeos musicales. Su segundo single, "Light My Fire", puso al grupo junto con Jefferson Airplane y The Grateful Dead entre los mejores nuevos grupos estadounidenses de 1967. La versión sin el largo solo de teclado y guitarra se lanzó en abril, pero no alcanzó la cima sino hasta julio. En mayo de 1967, el grupo hizo su debut nacional grabando una brillante versión de "The End" para la CBC en los Yorkville Studios, en Toronto (Yorkville era la versión canadiense del Haight-Ashbury). Esta versión permaneció inédita hasta la salida del DVD "The Doors Soundstage Performances" a principios de los años 2000. Rápidamente la banda ganó reputación con un estimulante, revoltoso y entretenido acto. Con su buena pinta, presencia magnética y sus pantalones de cuero, Jim Morrison se volvió un ídolo rock y un "sex symbol", aunque se veía limitado con las restricciones morales del estrellato. Antes de su presentación en el "Show de Ed Sullivan" los censores de la CBS exigieron a Morrison que cambiara la letra de Light My Fire, en la línea "Girl, we couldn't get much higher" (Nena, no podríamos habernos elevado más), por la posible referencia a las drogas, 15 minutos antes de que la banda se presentara el 17 de septiembre de 1967. Morrison les preguntó qué es lo que debería decir en vez de "higher", y de respuesta recibió que él era el poeta y algo se le tenía que ocurrir. Robby Krieger presa del nerviosismo preguntó a Morrison de qué forma cambiaría la letra y Jim decidió no hacer cambio alguno. Morrison cantó la línea original y se presentó en la televisión en vivo, con una CBS sin capacidad de pararlo. Ed Sullivan, furioso, se negó a estrecharle las manos a los miembros de la banda, y nunca más fueron invitados. Al escuchar que no volvería, Morrison respondió, "We just did the Ed Sullivan Show"[1] (Simplemente hicimos el Show de Ed Sullivan)- para la época, una aparición de ese estilo generaba toda una gama de sucesos. Morrison insistió que el nerviosismo causó que olvidara cambiar la línea como excusa. También presentaron un nuevo single, "People Are Strange", el cual repitieron para el Show del DJ "Murray The K" el 22 de septiembre. Morrison fomentó su fama de rebelde cuando, el 10 de diciembre fue arrestado en New Haven, por hablar mal sobre la policía al público. Morrison dijo que un celoso oficial le había lanzado gas lacrimógeno al sorprenderlo con una chica en los bastidores. El grupo terminó un exitoso año. El 24 de diciembre la banda grabó "Light My Fire" y "Moonlight Drive" en vivo para el Show de Jonathan Winters. Del 26 al 28 de diciembre, el grupo tocó en The Winterland San Francisco. Tocaron sus dos últimas fechas del año en Denver, el 30 y 31 de diciembre, coronando un año de giras casi constantes. 1967: Strange Days Ray Manzarek, teclado. Strange Days fue el segundo LP de The Doors, lanzado en septiembre de 1967. Recibió un disco de oro y llegó al #3 del Billboard. Sin embargo Paul Rothchild, el productor, lo consideró un fracaso comercial, por más que hubiese significado un triunfo artístico: Todos pensamos que era el mejor álbum. Significativamente, también fue el que tuvo las ventas más débiles. Confiábamos en que iba a ser más grande que cualquier cosa que The Beatles habían hecho. Pero no había single. El disco se nos murió. Paul A. Rothchild Contrariamente a este punto de vista, uno podría discutir que el álbum igualmente tuvo buenas ventas, consiguiendo dos top 30, un top 3 en los charts norteamericanos y una certificación de platino. Strange Days consta parcialmente de canciones que no se incluyeron en el trabajo debut. Este álbum impone un sentimiento extraño y bizarro, conteniendo algunas de las canciones más psicodélicas de The Doors. Incluye canciones como "Strange Days", "People Are Strange", "Love Me Two Times" y "When the Music's Over", siendo ésta un poema épico comparable a la famosa "The End". El álbum también incluye "Moonlight Drive", que fue una de las primeras canciones escritas por Jim Morrison para The Doors. Había sido grabada en 1965 (demo) y en 1966 (con la intención de incluirla en el primer álbum). En 1967 la versión final fue grabada y lanzada en "Strange Days". El álbum fue #3 en Estados Unidos en 1967 y es el número #407 en los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la Rolling Stone. "People Are Strange" llegó al #12 en el chart de los Estados Unidos y "Love Me Two Times" la siguió, consiguiendo un respetable #25, probando la consistencia de The Doors después del éxito de su álbum de debut. 1968: Waiting for the Sun Robby Krieger, guitarra. Las sesiones de grabación para el tercer álbum que tuvieron lugar en abril fueron muy tensas como consecuencia de la creciente dependencia del alcohol por parte de Morrison. Acercándose al clímax de su popularidad, The Doors tocó en una serie de eventos a la intemperie, lo que condujo a frenéticos enfrentamientos entre los fans y la policía, particularmente en el Chicago Coliseum el 10 de mayo. La banda empezó a variar su material a partir de su tercer LP, Waiting for the Sun, cansados de su repertorio original, y empezaron a escribir material nuevo. Se volvió su primer LP #1, y el single "Hello, I Love You" fue su segundo y último single #1 en los Estados Unidos.También incluye la canción "The Unknown Soldier", del cual dirigieron otro videoclip, y "Not to Touch the Earth", extraído de su legendaria pieza conceptual, Celebration of the Lizard, aunque fueron incapaces de grabar una versión satisfactoria de la pieza entera para el LP. Fue puesta a la venta años más tarde en una compilación de Grandes Éxitos, y en su disco Absolutely Live. Después de un mes de escandalosas actuaciones en el Singer Bowl en New York, realizaron su primera gira fuera de Estados Unidos, una minigira por Europa. La banda celebró una conferencia de prensa en el Institute of Contemporary Arts en Londres y tocó en el Teatro The Roundhouse. Los resultados del viaje fueron televisados en la cadena británica Granada Television, en un show llamado The Doors Are Open y luego sacado en video a la venta. La banda tocó algunos conciertos más en Europa, incluyendo un show en Ámsterdam sin Jim Morrison, después de que tuviera un colapso por el uso de drogas. Morrison volvió a Londres el 20 de septiembre y se quedó allí por un mes. El grupo tocó nueve conciertos más en Estados Unidos, y se puso a trabajar en su cuarto LP. 1969 será un año difícil para The Doors, pero empieza con un show a estadio lleno en el Madison Square Garden en Nueva York el 24 de enero y un exitoso single, "Touch Me (The Doors)" (lanzado en diciembre de 1968), que alcanzó el nº 3 en los Estados Unidos. Ese mes Morrison asistió a una producción de teatro que cambió el rumbo de su vida, y la del grupo. En el Bovard Auditorium The Living Theatre de la University of Southern California, se toma el escenario con un show que invitó a la gente a dejar a un lado sus inhibiciones y abrirse paso a la libertad. Esto atrajo la búsqueda de libertad de Morrison, resultando en una sesión improvisada la tarde siguiente, el 25 de febrero, la legendaria sesión "Rock is Dead", a la venta en el Box set de 1997, dando paso a uno de los episodios más controvertidos de la vida de Morrison. El incidente ocurrió el 1 de marzo de 1969, en el Dinner Key Auditorium en Miami, Florida. El auditorio de 6.900 asientos había sido sobrevendido hasta doblar la capacidad del salón, y los fans estaban sofocados y sin aire acondicionado. Desde el momento en que la banda caminó por el escenario, Morrison empezó a gritar al micrófono:2 Ahora escuchadme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse." Estoy hablando de pasarlo bien, Estoy hablando de pasarlo bien este verano. Todos, venid a L.A., salid de aquí, vamos a acostarnos en la arena y a enterrar nuestros dedos en el océano, y vamos a pasarlo bien. ¿Estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos? ¡Ahora escuchadme! Yo solía pensar que todo esto era una gran broma. Solía pensar que era algo para reirse. Entonces estas últimas noches conocí a algunas personas que estaban haciendo algo ¡Estaban tratando de cambiar el mundo! ¡Yo quiero unirme a ese viaje! Quiero cambiar el mundo. Cambiarlo. Siiiiií... cambiarlo. Después de unos minutos Morrison cambió el tono: Ahora escucháme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse. ¡Estoy hablando de divertirse! ¡Estoy hablando de bailar! ¡Quiero ver a todos de pie y bailando! ¡Quiero verlos bailando en la calle este verano! Quiero verlos divertiendosé. Quiero verlos correr por ahí. Quiero verlos pintando la ciudad. Quiero verlos haciendo ruido. Quiero verlos gritar. Quiero ver diversión. ¡¡¡Quiero ver su diversión !!!. La grabación se acerca su final con las siguientes palabras: ¡CUALQUIER COSA QUE QUERÁIS HACER! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO! El incidente queda inconcluso. Morrison dijo: "Gasté mucho tiempo en el juicio de Miami. Casi un año y medio. Pero supongo que fue una valiosa experiencia porque antes del juicio tenía una mirada infantil y poco realista acerca del sistema judicial Americano. Mis ojos se han abierto un poco." Aunque el incidente de Miami dañó la reputación de la banda, Morrison quedó algo tranquilizado con sus resultados. Luego dijo: "Pienso que fue sólo alimentar la imagen que se estaba creando alrededor mío.. y a eso le puse fin en una gloriosa tarde". Aunque Morrison recibía gran parte de la atención, incluyendo su imagen en las carátulas de los discos, para él era categórico que todos los miembros de la banda debían recibir igual reconocimiento. Antes de un concierto en el cual el animador anunció el grupo como "Jim Morrison y The Doors", Morrison se negó a aparecer hasta que se anunciara al grupo de nuevo como "The Doors". Mientras Morrison nunca se sintió cerca de su familia real, era extremadamente protector con los miembros de su banda. Según se dice, una vez le dijo a Ray Manzarek que nunca se sentía cómodo en una situación social a menos que éste u otro miembro de la banda estuvieran con él. De algún modo veía a The Doors como su familia de reemplazo. Sistemáticamente rechazó cada oportunidad de grabar un álbum como solista que se le ofrecía, y después de su muerte los miembros de la banda se negaron a reemplazarlo. En sus últimos dos años de vida, Jim Morrison redujo su uso de drogas psicodélicas y empezó a beber excesivamente, lo que afectó pronto a su rendimiento en el estudio. Aparentemente para escapar de la imagen del "Rey Lagarto", que lo había dominado, Morrison se dejó crecer una abundante barba, obligando a Elektra a usar fotos tomadas anteriormente en su carrera para la carátula de Absolutely Live, lanzado en 1970. El álbum presenta actuaciones grabadas en el tour de The Doors de 1970, el concierto de 1969 en el Aquarius Theatre e incluye una versión completa de "The Celebration of the Lizard". La única aparición pública de este tiempo fue en un especial televisivo de la PBS grabado en Abril, y transmitido el mes siguiente. El grupo tocó canciones del siguiente álbum, The Soft Parade, incluyendo una espléndida versión de la pista con el mismo nombre. El grupo continuó con su gira en el Teatro del Chicago Auditorium Theater el 14 de junio, y tocó dos fechas en el The Aquarius Theatre en Hollywood el 21 de julio y 22 de julio, ambas lanzadas más tarde en CD. Fueron un nuevo tipo de conciertos de The Doors, donde el énfasis estaba puesto en la banda y la gente pasándolo bien. El barbudo Morrison usaba ropa más holgada y guiaba la banda hacia una dirección más "Blues", con canciones como "Build Me A Woman", "I Will Never Be Untrue", y "Who Do You Love". Todavía su voz no perdía su poder, y la banda todavía podía deslumbrar con sus presentaciones de "When the Music's Over" y "Celebration of the Lizard". 1969: The Soft Parade Su cuarto álbum, The Soft Parade, estrenado en Julio, distanció aún más al grupo del "underground", con canciones extremadamente pop, y con arreglos en el metal muy al estilo de Las Vegas (en el single "Touch Me" participó el saxofonista Curtis Amy). Los excesos con el alcohol de Morrison lo hacían por aquel entonces una persona muy difícil y muy informal en el estudio, y las sesiones de grabación se estiraban por semanas, cuando antiguamente duraban un par de días. Los costos del estudio se empezaron a acumular, y el grupo estuvo a punto de desintegrarse. Los detractores de este álbum ven en él a una banda esforzándose por mantenerse en la ola y tratando de expandir su sonido con instrumentos de metal y cuerdas, resultando en un sonido débil y sobreproducido. En su defensa, The Soft Parade fue un exitoso experimento en "quasi-prog-pop", a pesar del errado comportamiento de Morrison y las numerosas dificultades técnicas. Las canciones orientadas más hacia lo comercial, como "Touch Me" o "Tell All The People", resultaron todo un éxito; y pistas como "Wild Child" o "Shaman's Blues" son reveladoras e imaginativas como siempre, con excelentes guitarras y líricas. Durante la grabación de su siguiente álbum, en noviembre de 1969, Morrison se vio en problemas con la ley nuevamente, después de quedar ebrio y comportarse agresivamente con el personal de una aerolínea mientras viajaban a Phoenix para ver a The Rolling Stones en concierto. Fue absuelto en abril, después de que un auxiliar de vuelo identificara erróneamente a Morrison como su compañero de viaje, el actor inglés Tom Baker. 1970: Morrison Hotel El grupo remontó fuertemente de nuevo con su LP Morrison Hotel. Este se distingue por un sonido consistente y pesado, el álbum abre con el memorable "Roadhouse Blues", caracterizando el alto espíritu de seguridad del álbum entero. También tiene temas como "Indian Summer" muy tranquilos y suaves que nos recuerda al famoso "The End" de su primer álbum y piezas tan destacadas como "Peace Frog" que The Doors nos muestran que todavía saben sonar duro en el rock clásico de los 60. Morrison Hotel tenía un optimismo que la banda nunca había visto, presentando un par de canciones de celebración y algunas baladas de amor. Alcanzó el nº 4 en los Estados Unidos. Aunque Morrison enfrentaba procesos en Miami en agosto, el grupo se las arregló para ir al Festival de la Isla de Wight el 29 de agosto de 1970. En el festival, la banda tocó al lado de artistas legendarios, como Jethro Tull, Jimi Hendrix, The Who, Joni Mitchell, Miles Davis y Sly & The Family Stone. Dos canciones del show fueron presentadas en el documental de 1995 Message to Love. El 16 de septiembre, Morrison fue a los tribunales, y el jurado lo declaró culpable por obscenidades y escándalo público el 20 de septiembre. Fue sentenciado a ocho meses de custodia, pero obtuvo la libertad mediante una apelación. El 8 de diciembre de 1970, en su vigésimo séptimo cumpleaños, Morrison grabó una sesión de poesía, que se editaría más tarde como el disco An American Prayer. 1971: L.A. Woman Durante la última actuación pública de the Doors, en el "Warehouse" en Nueva Orleans, Luisiana, el 12 de diciembre de 1970, Jim Morrison tuvo una aparente crisis nerviosa, tirando el micrófono al piso repetidas veces. No obstante, el grupo volvió a tener un último gran éxito con el magnífico L.A. Woman en 1971. La idea de este álbum era volver a las raíces del Blues y el R&B, aunque durante los ensayos el grupo tuvo serios percances con Rothchild, que denominando al nuevo repertorio "música de cóctel" renunció a la producción del álbum y dejó el control a Bruce Botnick. El resultado fue considerado un verdadero clásico, presentando uno de los materiales más fuertes desde su debut en 1967. Otros sin embargo consideran que cerca de la mitad del álbum es un blues apagado, sin brillo, que le resta calidad al resultado final. Tal vez por esto, la canción "Changeling" es considerada la más subestimada de la banda. "Riders On The Storm", se convirtió en una pieza clave de la programación de cualquier radio de rock durante décadas. La muerte de Morrison y sus secuelas: 1971–1989 En 1971, después de la grabación de L.A. Woman, Morrison decidió tomarse un tiempo libre y se mudó a París con su novia, Pamela Courson, en marzo. Lo había visitado el verano pasado y, por un tiempo, pareció contento con escribir y explorar la ciudad. Pero luego volvió al alcohol y cayó de un segundo piso en mayo. El 16 de junio hizo sus últimas grabaciones conocidas, cuando conoció a dos músicos callejeros y los invitó a un estudio. Los resultados fueron estrenados en 1994 en el LP pirata, The Lost Paris Tapes. La tumba de Jim Morrison en el cementerio Père-Lachaise (París), lugar de peregrinación para fans de todo el mundo. Morrison falleció en confusas circunstancias el 3 de julio; su cuerpo fue encontrado en la bañera. La conclusión fue que murió por un ataque al corazón, aunque se reveló que no se le había hecho la autopsia antes de ser enterrado en el Cementerio Père-Lachaise el 7 de julio. Una versión bastante difundida menciona que el deceso de Morrison se produjo por sobredosis en un bar Parisino llamado "Rock n' Roll circus", más precisamente en los baños del lugar donde el vocalista habría fallecido después de encerrarse para ingerir cocaína, siendo su cuerpo trasladado por conocidos a la bañera de su casa. Supuestamente se le habría intentado reanimar allí con agua fría sin éxito. El forense, en su informe oficial, describió el cadáver del cantante como el de "alguien de más de 50 años y 1.90 m. de altura" (Jim en realidad tenía 27 años y su talla oscilaba entre 1.75 m. y 1.78 m., sin sus botas tejanas puestas), lo que nos brinda clara muestra de una negligencia médica que, probablemente, incrementó el mito que rodea la muerte de Morrison. Pamela Courson mantuvo el cuerpo de Morrison durante más de 4 días en el apartamento que compartían, depositando hielo alrededor del mismo para detener parcialmente el proceso de descomposición. Durante los años siguientes a su muerte, persistían algunos rumores de que Morrison había fingido su muerte para escapar del estrellato, o que había muerto una noche en un bar, y su cuerpo fue llevado furtivamente a su apartamento. Sin embargo, el antiguo socio de Morrison, Danny Sugerman, en su libro Wonderland Avenue, asegura que en su último encuentro con Courson, que tuvo lugar poco antes que su muerte por sobredosis, ella le confesó que introdujo a Morrison la droga, porque el sufría de miedo a las agujas, y ella le habría inyectado la dosis que lo mató. Los miembros restantes continuaron por algún tiempo. Inicialmente se había pensado reemplazar a Morrison con un nuevo cantante, y se reportó que podría ser Iggy Pop. Al final, Krieger y Manzarek tomaron el lugar de Morrison cantando y lanzaron dos álbumes, Other Voices y Full Circle, y se fueron a gira. Ambos álbumes vendieron bien, pero no como en la época de Morrison, y The Doors dejó de tocar y grabar a finales de 1972. Mientras que el primer álbum es indudablemente del estilo de The Doors, el segundo se expandió al territorio del jazz. Mientras que ningún álbum fue vuelto a editar en CD en los Estados Unidos, han sido estrenados en 2-en-1 en Alemania y Rusia. Los Doors restantes grabaron un tercer álbum post Morrison, An American Prayer, en 1978, que proveía de música de respaldo a algunas grabaciones de Morrison recitando su poesía. El álbum fue un éxito, y se vio seguido por un mini-álbum de material en vivo no estrenado. Su perfil se mantuvo alto en los años 1980 gracias a que había una considerable cantidad de grabaciones en color de sus conciertos y actuaciones en TV, y el advenimiento de MTV y el género de los videoclips introdujo a las audiencias jóvenes a la música de The Doors, ya fuera mediante los vídeos grabados en sus conciertos, o los originales producidos por la misma banda en los 60. En 1979, Francis Ford Coppola estrenó Apocalypse Now con "The End" usada en la banda sonora, llevando a nuevos fans a descubrir The Doors. En 1983 se estrenó Alive, She Cried que incluía una versión cover de Gloria de la banda Them. Los años 1990 y después En 1991, el director Oliver Stone estrenó su película The Doors protagonizada por Val Kilmer como Jim Morrison, y algunos cameos de Krieger y Densmore. Algunos que habían sido involucrados para interpretar a Morrison, eran:John Travolta, Jason Patric, Keanu Reeves, Michael O' Keefe, Gregory Harrison, Michael Hutchence (INXS) y Bono (U2). Aunque todo el mundo quedó impresionado por la imitación de Kilmer, el filme contenía numerosas equivocaciones. Los miembros de la banda criticaron el retrato de Stone a Morrison, que lo hacía parecer en ocasiones un psicópata fuera de control, en lugar del poeta rockero y sentimental que era. En 2002 Manzarek y Krieger se reunieron y crearon una nueva versión de The Doors, llamada "The Doors of the 21st Century". La nueva alineación estaba conformada por Ian Astbury como vocalista, y Angelo Barbera de la banda de Krieger en el bajo. En su primer concierto dieron a conocer que el baterista John Densmore no iba a tocar. Luego se supo que no estaba capacitado para tocar porque sufría de tinnitus. Densmore fue reemplazado originalmente por Stewart Copeland, antes miembro de The Police, pero Copeland se rompió el brazo en una caída de su bicicleta. Finalmente fue reemplazado por Ty Dennis, el baterista de la banda de Krieger. Luego Densmore reclamó que él nunca fue invitado a tomar parte de la nueva reunión del grupo. En febrero de 2003, emitió una orden legal para evitar que sus ex compañeros usaran el nombre de "The Doors of the 21st Century". Su moción fue denegada en mayo de ese año, aunque Manzarek públicamente declaró que Densmore seguía invitado a formar parte del grupo. Más tarde se supo que la familia de Morrison, junto con Densmore, continuaron buscando la manera de evitar que usaran el nombre The Doors. En julio de 2005, la banda se cambió el nombre a "D21C". Ahora tocan bajo el nombre de Riders on the Storm, el cual también es el nombre de una banda tributo del noreste de Estados Unidos. Están autorizados a tocar bajo nombres como "antiguos Doors", y "miembros de The Doors". Densmore ha estado firme en impedir la licencia de canciones de The Doors para su uso en comerciales de TV, incluyendo una oferta de 15 millones de dólares por parte de Cadillac para usar "Break on Through (to the Other Side)", diciendo que esta sería una violación al espíritu en cual la música fue creada. Densmore escribió acerca de esto para el diario The Nation: La gente perdía la virginidad con esta música, se colocaban por primera vez con esta música. Tengo gente que dice que hubo jóvenes que murieron en Vietnam escuchando esta música, otra gente dice que conocen a alguien que no cometió suicidio por esta música. En el escenario, cuando tocábamos estas canciones, se sentían misteriosas y mágicas. Eso no está a la venta.3 Manzarek y Krieger mantienen que seguir en giras es una resurrección de The Doors, y que otorgar licencias para hacer publicidad con la música es salvar a The Doors de caer en la historia. Manzarek fue citado diciendo: Estamos quedándonos viejos. Deberíamos, los tres, estar tocando estas canciones porque, hey, el final está siempre cerca. Morrison era un poeta, y después de todo, un poeta quiere que sus palabras sean escuchadas.4 The Doors son recordados por sus chamanísticas interpretaciones. Sin embargo, algunos miembros de "la clase dirigente" sentían que la música de la banda no era más que música de rebeldes norteamericanos. Jim Morrison dijo: Me gusta cualquier reacción que pueda causar con mi música. Simplemente cualquier cosa que deje a la gente pensando. Creo que si puedes lograr que una habitación entera llena de borrachos realmente se despierte y piense, estás haciendo algo.5 Su popularidad sigue viéndose reflejada en las continuas ventas de su trabajo. Una ola de actividades se anunciarón para 2006 con motivo del 40 aniversario del primer álbum de la banda. Vio la luz otro box-set de las grabaciones de estudio, un libro: The Doors by The Doors y el inicio de la producción de un documental autorizado acerca del grupo. The Doors junto con Grateful Dead y Joan Báez recibieron un premio por su éxito en la edición 2007 de los Grammy Awards. A principios de enero del 2012 sale a la luz un tema inédito, She Smells So Nice, el cual será añadido en la reedición del álbum L.A. Woman cuya venta está prevista para el 24 de enero de ese mismo año.6 Estilo El estilo musical de la banda se basa en una mezcla de blues y psicodelia. Manzarek aporta elementos de música clásica y del blues (por la influencia de sus padres); Krieger, del flamenco y Densmore del jazz junto con aportes latinos. Las letras del grupo, compuestas principalmente por Jim Morrison, se apartan en buena medida de las convenciones del pop de su época. En los textos de los primeros discos (The Doors, Strange Days), el elemento visionario propio de la psicodelia aparece expresado en imágenes que beben de la tradición romántica y simbolista, actualizándola con guiños al existencialismo y el psicoanálisis. Es destacable en referencia a lo anterior el gusto de Jim Morrison por la poesía de los simbolistas franceses, como Rimbaud o Verlaine. En los últimos discos, como L.A. Woman, la lírica de Morrison evoluciona hacia letras más sencillas e inmediatas, al estilo del blues......

The Clash

The Clash The Clash fue una banda británica de punk que estuvo activa entre 1976 y 1986. El grupo fue uno de los más importantes e icónicos de la primera ola del punk originada a fines de los años '70 y, a diferencia de la mayoría de las bandas punk que se caracterizaban por su simplicidad musical,[cita requerida] incorporó reggae, rock, rockabilly, ska, jazz y dub entre otros variados estilos en su repertorio. The Clash llegó a ser una banda muy influyente en la música mundial. Sumado a esto, The Clash exhibió una intencionalidad política en sus letras que con el tiempo se convertiría en su característica distintiva fundamental. El idealismo expresado en las composiciones de Joe Strummer y Mick Jones contrastó con el nihilismo de los Sex Pistols y la sencillez de Ramones, las otras bandas emblemas del punk en la época.1 2 Aunque su éxito en el Reino Unido fue inmediato, la banda no se ganó al público estadounidense hasta los años 80.3 Su tercer álbum, London Calling (publicado en 1980), es considerado uno de los mejores discos de la historia de la música. De hecho, la revista Billboard lo calificó como el mejor de los años 1980,4 y según la revista Rolling Stone como el octavo mejor de la historia en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, donde también figuran otros dos discos del grupo, The Clash y Sandinista!, en las posiciones n.º 77 y n.º 404 respectivamente.5 Algunos de sus temas más reconocidos fueron "White Riot", "Tommy Gun", "London Calling", "Train in Vain", "(White Man) In Hammersmith Palais", "The Guns of Brixton", "Complete Control", "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go". Esta última canción fue un gran éxito 6 años después de la disolución del grupo debido a su uso en una campaña publicitaria de Levi's. En 2003 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock situado en Ohio, Estados Unidos.1 Un año más tarde, Rolling Stone los incluyó en la posición n.º 28 de "The Immortals".6 A lo largo del tiempo, se ha asentado entre los fanáticos y los críticos el apodo atribuido en una ocasión por su discográfica CBS Records, "the only band that matters" (en español "la única banda que importa") para referírseles. La aplicación del mismo refiere a que el grupo nunca se desvió de sus ideales ni de sus costumbres por buscar beneficios personales. 1976 - 1978: formación y primeros éxitos en el Reino Unido Véase también: The Clash (álbum). Joe Strummer, vocalista y guitarrista del grupo. La banda tuvo sus inicios en la calle Ladbroke Grove, en el oeste de Londres, en 1976, durante los inicios del punk británico. Estaba originalmente formada por Joe Strummer (voz), Mick Jones (guitarra y coros), Paul Simonon (bajo), Keith Levene (guitarra) y Terry Chimes (batería), acreditado en su primer álbum como "Tory Crimes" presuntamente por el descontento de los otros miembros con sus ideas políticas8 (en español "crimes" quiere decir "delitos", mientras que Tory es una palabra en inglés británico para definir a un conservador).9 Mick Jones, Paul Simonon y Terry Chimes en principio habían formado parte del grupo London SS y Joe Strummer había participado desde mayo de 1974 en el grupo The 101'ers. Gracias al consejo del mánager de la banda, Bernie Rhodes, los tres primeros reclutaron a Strummer luego de verlo con su grupo en una presentación en vivo diciéndole en palabras textuales: "eres bueno, pero tu grupo es una mierda".10 Levene nunca llegó a grabar con la banda ya que dejó el grupo, antes del lanzamiento del primer disco y, más adelante, se convirtió en miembro de Public Image Ltd., liderado por John Lydon, ex vocalista de los Sex Pistols. Jones reconoció años más tarde que fue expulsado del grupo por no asistir a los ensayos. El nombre "The Clash" (en español: "el conflicto")11 fue sugerido por Simonon luego de haber leído la palabra en reiteradas ocasiones en un mismo periódico.1 El 4 de julio de 1976, The Clash tocó por primera vez actuando como soporte de los Sex Pistols en un recital en Sheffield donde la banda interpretó los temas "Janie Jones", "London's Burning" y "1977", mostrando un estilo punk puro con una diversidad musical casi nula. Luego del recital, la revista NME publicó una frase que con el tiempo se haría famosa:12 The Clash are the kind of garage band who should speedly be returned to their garage, preferably with the door locked and the motor running. The Clash es la clase de banda de garaje que debería rápidamente regresar a su garaje, preferiblemente con la puerta cerrada y el motor en marcha. Charles Shaar Murray Luego, en el otoño europeo de ese año, el grupo firmó por un total aproximado de £ 100.000 con la discográfica CBS Records,13 una de las más prestigiosas por ese entonces, generando el descontento entre algunos fanáticos y derivando en otra recordada frase: Punk died the day The Clash signed to CBS. El punk murió el día que The Clash firmó con CBS. Mark Perry8 En noviembre de ese mismo año Chimes decidió dejar el grupo, no obstante, volvería temporalmente unos meses más tarde para grabar el primer álbum de la banda. En diciembre de ese año, y con Rob Harper reemplazando a Chimes en la batería, The Clash se unió a Sex Pistols y The Damned para el desastroso Anarchy Tour que fue cancelado tras solo siete conciertos. Ya en 1977, el grupo lanzó su primer sencillo, "White Riot", en marzo y un mes más tarde salió al mercado el primer LP homónimo, The Clash, caracterizado por una crudeza musical y letras políticas, sociales y agresivas. El álbum alcanzó un éxito considerable en el Reino Unido, pero Epic Records, la discográfica responsable de la banda en los Estados Unidos, no lo publicó en primera instancia en el mercado americano ya que lo consideraba demasiado crudo y rudo.1 14 Recién dos años más tarde, y luego de que el disco se convirtiera en el más importado de la historia de los Estados Unidos,3 se emitió una versión modificada del mismo para dichas tierras llamada habitualmente The Clash US. Después del primer disco, Terry Chimes dejó definitivamente el grupo por diferencias personales con el resto de los integrantes, iniciándose así un proceso de búsqueda de baterista que acabó con la incorporación de Topper Headon. Años más tarde, Headon admitió que se había unido al grupo buscando reputación para luego encontrar una banda más prestigiosa donde tocar pero con el tiempo, y al ver el progreso musical de The Clash, decidió quedarse definitivamente.15 Finalmente, en mayo de ese año el grupo emprendió su primer gira mundial, junto a Buzzcocks y The Jam, a la que llamaron White Riot Tour y que incluyó recitales en el Reino Unido, Irlanda, Suecia, Francia y Alemania. Durante la gira y la grabación de su primer álbum The Clash comenzó a formarse una imagen conflictiva siendo arrestados sus miembros por vandalismos16 y por dispararle a los gorriones que se posaban en su sala de ensayos con rifles de aire comprimido (la canción "Guns on the Roof" de su segundo álbum trata el tema en cuestión). 1978 - 1982: éxito internacional Véanse también: Give 'Em Enough Rope, London Calling, Sandinista! y Combat Rock. El segundo álbum de la banda, Give 'Em Enough Rope, fue producido por Sandy Pearlman y contó por primera vez con la participación de Headon en todos los temas. Tras ver al baterista en acción, el productor quedó sorprendido por su perfección tempística y lo apodó The Human Drum Machine (en español: La caja de ritmos humana). El disco se emitió para el Reino Unido en 1978 y, a pesar de recibir críticas negativas por parte de los expertos, tuvo éxito con el público británico. Give 'Em Enough Rope fue el primer trabajo oficial de The Clash en salir a la venta para los Estados Unidos, por lo cual la banda emprendió su primer gira por tierras norteamericanas para promocionarlo a comienzos de 1979. Más tarde ese mismo año se emitió la versión alterada de su primer álbum, The Clash US, mencionada previamente. Paul Simonon, bajista y único integrante de la banda que se mantuvo activo desde su formación hasta su disolución final.17 Su tercer álbum, London Calling, un disco doble vendido al precio de uno por la insistencia de la banda, fue emitido también en 1979 y marcó el punto de mayor éxito crítico y de inflexión comercial en los Estados Unidos del grupo. Inicialmente, fue visto con recelo por los fanáticos británicos de Clash ya que los discos dobles estaban asociados con el rock progresivo y no con el punk. En London Calling la banda experimentó con una amplia gama de estilos musicales como el rockabilly americano, el reggae jamaiquino y los estilos dub y ska populares en Gran Bretaña.18 El álbum es considerado por la crítica como uno de los mejores de la historia del rock19 y fue posicionado octavo por la revista Rolling Stone en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, primero en su lista de los mejores álbumes de los años 1980 y cuarto por la Revista Q en su lista de los 100 mejores álbumes británicos de la historia.20 El estilo de las letras de la portada de London Calling21 es un homenaje al primer disco de Elvis Presley mientras que la foto usada muestra a Paul Simonon golpeando contra el piso su defectuoso bajo en un show de Nueva York de ese mismo año. Según Simonon, que en un principio no quería que se usara la foto para la tapa del álbum, fue la única vez que rompió un instrumento en el escenario. Irónicamente, el tema más exitoso del disco, "Train in Vain (Stand by Me)" que llegó al n.º 23 en las listas estadounidenses,1 no había sido incluido en un principio en London Calling ya que la banda tenía pensado emitirlo como flexi disc en la revista NME. Sin embargo, a último momento y por decisión de Mick Jones, fue agregado como pista oculta. Más tarde, hacia fines de 1980, The Clash lanzó un álbum triple al que llamaron Sandinista!, nombre utilizado para hacer referencia al Frente Sandinista de Liberación Nacional de Nicaragua. Una vez más, los miembros insistieron en que se venda al precio de uno, pagando de sus propios bolsillos la diferencia al resignar parte de sus ganancias.1 Sandinista! mostró una variedad de estilos aún más amplia y experimental que London Calling y se encontró con reacciones diversas por parte de los críticos y los seguidores. Durante las sesiones el grupo grabó cada idea que tuvieran en su momento, alejándose del punk y recurriendo a la experimentación con el dub ("One More Time"), jazz ("Look Here"), hip hop ("The Magnificent Seven"), música de cámara ("Rebel Waltz") y gospel ("Hitsville UK" y "The Sound of the Sinners"). Al igual que su anterior material, Sandinista! tuvo éxito en el rubro de las ventas, lo cual no es común en álbumes triples.1 Luego del lanzamiento del disco, The Clash emprendió su primer gira mundial que incluyó shows en lugares tan alejados como el este de Asia y Australia. Durante estos años, las tensiones y los conflictos dentro de la banda comenzaron a crear rumores de separación. Las giras, la fama y la constante convivencia no daban descanso, develando ciertas asperezas en el seno del grupo. Sin embargo, The Clash se las arregló para grabar más y de esta manera emitir su álbum de mayor número de ventas alrededor del mundo, Combat Rock. En dicho álbum se encontraban los exitosos temas "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go", este último el único en llegar al primer puesto en la UK singles chart, aunque nueve años después de su emisión y gracias a su uso en una publicidad. 1982 - 1983: conflictos y separación Después de Combat Rock, The Clash comenzó lentamente a desintegrarse. Topper empezó a sentir el cansancio de las desgastantes giras y se vio obligado a tomar un descanso; durante el receso, en una insólita actitud de la banda (claramente influenciada por su mánager) se dio a conocer la explusión del batería bajo la acusación de una relación adictiva con la heroína.22 23 Sin embargo, el mánager de la banda, Bernie Rhodes, ocultó la razón real atribuyendo a "diferencias políticas" el motivo de la salida. El baterista original de The Clash, Terry Chimes, regresó para los próximos meses. La problemática también se evidenció en el conflicto que surgió entre Jones y Strummer, a pesar de que existe la creencia que Bernie Rhodes fue quien creó la fricción entre ambos para obligar a Jones, a quien consideraba arrogante, a dejar la banda.10 Durante dichos años, a pesar de continuar haciendo giras y actuar como soporte para The Who en la de 1982, los miembros mantuvieron una relación distante. De hecho, las fechas originales de la gira británica para Combat Rock se cancelaron porque Strummer desapareció poco antes del comienzo de los shows sin previo aviso. Chimes dejó la banda después de la gira de Combat Rock realizada durante 1982 y 1983 convencido de que las peleas internas la harían separarse en breve. En 1983, y tras una larga búsqueda por un nuevo baterista, Pete Howard fue elegido para tocar con el trío. Ese mismo año The Clash tocó en el festival de San Bernardino, California donde fue, junto a David Bowie y Van Halen, una de las bandas principales. Con aproximadamente 500.000 personas presenciando el show dicha presentación en vivo fue, por mucho, la de más concurrencia en la historia de la banda. Sumado a esto, esa fue la última presencia de Jones con The Clash. En septiembre de 1983 Strummer y Simonon, apoyados por Rhodes, apartaron a Mick Jones del grupo argumentando que se encontraban descontentos por su comportamiento problemático, sus diferentes aspiraciones musicales y su "ceguera por el estrellato".3 Después de una serie de audiciones, la banda anunció que Nick Sheppard y Vince White serían los nuevos guitarristas. Howard continuó siendo el baterista, a pesar de que se especuló que pudieran volver Headon o Chimes para reemplazarlo. En enero de 1984, The Clash comenzó a tocar en vivo nuevamente en una gira autofinanciada para exhibir su nuevo material, a la que llamaron Out of Control Tour. La gira duró desde el invierno hasta comienzos del verano de ese año. En un show en diciembre anunciaron que a comienzos del año siguiente lanzarían un nuevo álbum. 1983 - 1986: Cut the Crap y el fin de The Clash Véase también: Cut the Crap. Las sesiones de grabación para Cut the Crap fueron caóticas, con Bernie Rhodes y Strummer trabajando separados del resto de los miembros en Múnich, Alemania. La mayoría de las partes fueron grabadas por diferentes músicos en sesiones de grabación, mientras que Sheppard y White solo viajaron para llenar algunas partes de guitarra. Luego de luchar con Rhodes por el control de la banda, Strummer declinó su participación en el proyecto regresando a Londres poco después. Durante este tiempo la banda comenzó una gira de carácter callejero aplicándose reglas estrictas como el llevar poco dinero y un solo cambio de ropa interior cada uno. De esta manera, viajaron por separado o en parejas para juntarse en espacios públicos de diferentes ciudades alrededor del Reino Unido donde interpretaban versiones acústicas de sus temas así como covers de las canciones "Twist and Shout" y "Stepping Stone" entre otras.10 Poco después, luego de un show en Atenas, Strummer viajó a España para aclarar sus ideas con respecto al futuro. Al regresar disolvió la banda. Durante su alejamiento, se emitió el primer sencillo de Cut the Crap, "This is England", que tuvo críticas principalmente negativas. La canción, así como el resto del álbum que salió a la venta más tarde durante el año, había sido drásticamente modificada por Rhodes, agregándosele sintetizadores, caja de ritmos y cantos de tribuna a las grabaciones de voz incompletas de Strummer. Otras canciones tocadas en la gira aún no han sido emitidas oficialmente al día de hoy como por ejemplo "Ammunition", "In the Pouring Rain" y "Glue Zombie". Carreras post-Clash Joe Strummer Artículo principal: Joe Strummer. Véase también: The Mescaleros. En 1986, Strummer colaboró con su ex compañero Mick Jones en el segundo álbum de su banda Big Audio Dynamite, No. 10 Upping St., co-produciéndolo y co-componiendo siete de los temas. Además, Joe actuó en algunas películas, entre ellas Walker de Alex Cox, Mystery Train de Jim Jarmusch y I Hired a Contract Killer de Aki Kaurismäki. Strummer también colaboró en la composición, producción e interpretación de las bandas sonoras de las películas Sid and Nancy y Grosse Pointe Blank. En 1989, regresó a la escena musical lanzando su primer álbum solista, Earthquake Weather que no tuvo mucho éxito comercial ni crítico. Aun así realizó una gira con una nueva banda de apoyo, The Latino Rockabilly War, y emitió junto a ésta el sencillo "Trash City". En 1991 se unió temporalmente como vocalista a The Pogues luego de la ida de Shane MacGowan para una serie de recitales en Europa. Después de The Clash Joe Strummer formó The Mescaleros en 1999. Finalmente, a fines de los años 1990 Strummer reunió a un grupo de músicos de nivel para formar la banda The Mescaleros. Pronto, el grupo firmó con la discográfica punk californiana Hellcat Records (una filial de Epitaph) y emitió el álbum Rock Art and the X-Ray Style. Más tarde, The Mescaleros lanzó Global a Go-Go en 2001 y realizó una gira mundial para promocionarlo tocando en muchos de sus shows algunos clásicos de The Clash así como el tema "Blitzkrieg Bop" de Ramones en honor al recientemente fallecido Joey Ramone. El 15 de noviembre de 2002, Joe Strummer & the Mescaleros tocó en un concierto a beneficio para los bomberos voluntarios de Londres en el Acton Town Hall. Durante el show, Mick Jones, que se encontraba entre los espectadores, se unió al grupo para tocar los temas "Bankrobber", "White Riot" y "London’s Burning" reuniéndose así ambos líderes creativos de The Clash en el escenario por primera vez en aproximadamente 19 años. Poco después, el 22 de noviembre, Joe Strummer tocó por última vez en la Liverpool Academy. En diciembre de 2002, Joe Strummer murió víctima de una falla cardíaca congénita no diagnosticada a los 50 años de edad. El disco en el que estaba trabajando con The Mescaleros, Streetcore, fue emitido póstumo en 2003 recibiendo buenas críticas. Además de la desgracia en sí, la muerte de Strummer fue un duro golpe para los fanáticos de The Clash ya que Jones comentó posteriormente que tras la breve reunión de los miembros para grabar el documental Westway to the World en 1999 habían estado considerando una reunión que para 2001 se veía más que probable. Mick Jones Artículo principal: Mick Jones. Véanse también: Big Audio Dynamite y Carbon/Silicon. Después de su expulsión de The Clash, Jones formó Big Audio Dynamite, usualmente conocida como B.A.D., en 1984. El álbum debut de la banda, This Is Big Audio Dynamite, fue emitido al año siguiente con la canción "E=MC²" logrando un considerable éxito entre el público británico. El siguiente material del grupo, No. 10 Upping St., marcó el reencuentro de Jones con Strummer. Luego de tres discos más, Jones cambió la alineación y renombró la banda a Big Audio Dynamite II en un principio y Big Audio a mediados de los '90s. Jones también produjo los dos álbumes de estudio de The Libertines así como el álbum debut de Babyshambles. Desde 2003 forma parte de Carbon/Silicon junto a su ex compañero en London SS y ex integrante de Generation X Tony James. Paul Simonon Paul Simonon forma parte de The Good, the Bad and the Queen desde 2006. Artículo principal: Paul Simonon. Véanse también: Havana 3 A.M. y The Good, the Bad and the Queen. Tras la separación de The Clash, Simonon formó el grupo Havana 3 A.M. que grabó su primer álbum en Japón en 1991 recibiendo buenas críticas. Tras la muerte del cantante de Havana 3 A.M., Nigel Dixon, Simonon regresó a su primer interés, el arte visual, contribuyendo entre otras cosas con la portade del tercer disco de BAD, Tighten Up Vol. 88. En 2006 el bajista regresó a la actividad musical uniéndose al grupo The Good, the Bad and the Queen formado por el Blur y Gorillaz Damon Albarn, el ex The Verve Simon Tong y el ex baterista de Fela Kuti Tony Allen. Topper Headon Artículo principal: Topper Headon. La severa adicción de Headon a la heroína no solo le impidió continuar en la industria musical sino que también lo llevó a ser encontrado culpable de haberle suministrado de la misma a un adicto que murió de sobredosis por su consumo. Como consecuencia, el baterista debió cumplir un año de condena en prisión. Exceptuando el álbum de estilo R&B Waking Up que lanzó en 1986 y el EP Drumming Man, Topper no volvió a aparecer en la escena musical hasta la reunión de los integrantes para grabar el documental de Don Letts Westway to the World donde se disculpó por los efectos negativos que había causado su adicción en las relaciones dentro de la banda. Luego de muchos años luchando contra la droga Topper Headon aparentemente superó su problema definitivamente y volvió a tocar en vivo. De hecho, fue inmediatamente después de uno de sus recitales que se enteró de la muerte de Joe Strummer en 2002.....

jueves, 2 de mayo de 2013

Love And Death - The Abandoning

Static-X

Static-X Static-X es una banda estadounidense de metal industrial originada de Los Ángeles. Tienen un contrato con Reprise Records. Hasta ahora han lanzado ocho álbumes; el último con su formacion fue Cult of Static, publicado el 17 de marzo de 2009. Actualmente Wayne Static lidera la banda con nueva formacion bajo el nombre de "Wayne Static" Biografía Static-X se formó en 1994 de las cenizas de la anterior banda de Wayne Static y Ken Jay, Deep Blue Dream. Después de buscar integrantes en Chicago, Static y Jay decidieron ir a Los Ángeles para continuar su búsqueda. Ahí conocieron a Tony Campos y Koichi Fukuda, completando la formación original. Static-X firmó con Warner Brothers Records en 1998. El primer álbum de la banda, Wisconsin Death Trip, fue publicado el 23 de marzo de 1999. Algunas de las canciones notables del álbum son Push It, I'm With Stupid, Bled For Days y Fix. Las fechas hechas para promocionar el disco incluyeron dos Ozzfest. El siguiente año salió el no muy conocido EP The Death Trip Continues. En 2001 Wisconsin Death Trip fue disco de platino, hasta ahora el único disco de Static-X en alcanzar este éxito. El grupo ha contribuido prestando numerosas canciones de este disco a varios videojuegos. La canción Otsegolation fue la elegida para el videojuego de PlayStation Omega Boost en el menú principal y en la secuencia del jefe final. La canción Push It fue incluida en los videojuegos Street Skater 2 y Duke Nukem: Land of the Babes, ambos para la videoconsola PlayStation. Después de grabar su siguiente álbum, Machine, el guitarrista Koichi Fukuda dejó la banda para pasar tiempo con su familia y analizar otras oportunidades musicales. Tripp Eisen, anteriormente de Dope, llegó como reemplazo de Fukuda. Machine fue publicado el 22 de mayo de 2001. Static-X rápidamente comenzó a trabajar en su tercer álbum, Shadow Zone, esta vez con Eisen tocando y componiendo en el álbum. Antes de que empezaran a grabar, Ken Jay dejó la banda debido a «diferencias políticas». Josh Freese, de A Perfect Circle, tocó la batería en el álbum, y Nick Oshiro, anteriormente de Seether, fue después seleccionado como el reemplazo de Jay. Durante la producción del álbum, Jonathan Davis, de Korn, contactó con Wayne Static para que pusiera la voz a una canción titulada Not Meant For Me, que él mismo escribió para la banda sonora del filme Queen of the Damned. Shadow Zone fue publicado el 7 de octubre de 2003. Además, Static-X continuó su afiliación con los videojuegos: This Is Not, de Machine, fue incluida en el videojuego Shaun Palmer's Pro Snowboarder y The Only, de Shadow Zone, fue incluida en la banda sonora del videojuego Need for Speed: Underground. En julio de 2004 se publicó Beneath... Between... Beyond..., una colección de rarezas y demos. A consecuencia de esta publicación crecieron los rumores de que el grupo podría romper y desaparecer. Un poco después ese mismo año, Wayne fue invitado a cantar en la canción Use Less de Skinny Puppy. Poco después de la publicación de Beneath... Between... Beyond..., la banda comenzó a trabajar en su cuarto álbum de estudio, Start a War. En febrero de 2005 Tripp Eisen fue arrestado en medio de un escándalo sexual que involucraba menores, y fue echado de Static-X no mucho tiempo después. El anterior guitarrista, Koichi Fukuda, que estuvo mezclando el nuevo álbum, volvió a Static-X para cubrir la vacante dejada por Eisen. Start a War fue publicado el 14 de junio de 2005. I'm the One y Dirthouse fueron los sencillos elegidos del álbum. La canción Start a War fue incluida en el videojuego WWE SmackDown! vs. RAW 2006 y la canción Skinnyman fue incluida en el famoso videojuego Need for Speed: Most Wanted. Luego se anunció la publicación de su sexto álbum para el 3 de abril de 2007, que está compuesto de 12 canciones que ya fueron publicadas en la página Myspace, con el título Cannibal. Este álbum está marcado por el regreso del guitarrista original, Koichi Fukuda. La canción No Submission fue incluida en la banda sonora de la película Saw 3. El 20 de marzo de 2007, al nuevo álbum le siguió un exclusivo EP de Destroyer. El vídeo de Destroyer fue producido y está disponible en Headbangersball.com. El álbum, por otra parte, debutó en el puesto número 36 en Estados Unidos con ventas cercanas a las 30 000 unidades. El 10 de mayo de 2007 se anunció que el grupo tocaría en el escenario principal del festival Ozzfest 2007. Adicionalmente, en una reciente entrevista, Wayne Static anunció su otro proyecto, llamado Pighammer, en el cual se concretaría después de grabar y promocionar el nuevo disco de estudio. El 14 de octubre de 2008 salió a la venta el DVD/CD llamado Cannibal Killers Live, grabado en directo durante la gira de Cannibal Killers, la cual promocionaba el último trabajo discografico de la banda. Este box set contiene el recital completo del 2 de junio de 2007 en Spokane, Washington, en CD, en DVD (que también incluye los 13 vídeos del grupo hasta la fecha) y también un tercer DVD (sólo en ediciones especiales) que contiene un recital de la banda de 1997 en Los Ángeles. El grupo finalizó la grabación de su sexto álbum de estudio, titulado Cult of Static, el cual salió a la venta el 17 de marzo de 2009. El álbum contiene 11 canciones, a pesar de que normalmente suelen contener 12. Además, con el nombre del álbum han querido rendir tributo o «culto» a todos sus seguidores, que los han apoyado durante todos estos años. El primer sencillo, llamado Stingwray, empezó a rotar en las radios el 14 de febrero de 2009. Cult of Static sigue la línea musical de su antecesor, Cannibal, con el cual alcanzaron las 160 000 copias y tiene como centro de atención, entre otras cosas, a los muscle car americanos, como dos títulos de canciones lo indican, Z28 y Stingwray. En 2009 el grupo actuó en el Download Festival y realizó su primera actuación en el Rock on the Range. Además, justo después de acabar su gira por Australia, a finales de año, Wayne Static anunció en los foros oficiales del grupo que se centrará en su otro proyecto, Pighammer. Aun así, Wayne se apresuró a aclarar que seguiría trabajando con Static-X en un par de años, dejando claro que no se van a separar, sino que solo se toman un tiempo de descanso. 2012-Presente En 2012, Wayne Static decidió reformar Static-X, pero ninguno de los miembros originales se unirán a él. En cambio, su banda realizará una gira en solitario bajo el nombre de Wayne Static. Artistas relacionados e influencias Static-X cita a Ministry, Prong y Type 0 Negative como sus mayores influencias. Además de otras como White Zombie, Nine Inch Nails, Fear Factory, Danzig y Coal Chamber. Ellos autodescriben su estilo como evil disco (algo así como ‘música de discoteca demoníaca’) está basado en metal industrial, usa distorsión pesada de overdrive, teclados, fuertes riffs de bajo y voces rápidas y furiosas. Las canciones generalmente usan mucho de sintetizadores e inserción de pequeños pedazos de películas. Tripp Eisen colaboró en la grabación del disco de Murderdolls Beyond the Valley of the Murderdolls como guitarrista. Incluso llegó a aparecer en el videoclip Dead in Hollywood, pero abandonó el grupo al poco tiempo, siendo sustituido por Acey Slade. Canciones sobre Otsego Static-X es también conocido por involucrar una versión de la palabra Otsego en al menos una canción en cada álbum. Otsegolation en Wisconsin Death Trip, Ostego Undead en Machine, Otsegolectric en Shadow Zone y Otsego Amigo en Start a War. Sin embargo, Cannibal y Cult of Static, de momento, son los únicos discos del grupo que no incluyen ninguna canción sobre Otsego. La canción Ostego Undead en realidad está mal escrita en la banda sonora Drácula 2000 y debería ser Otsego Undead. Cuando le preguntaron a Wayne Static sobre Otsego en una entrevista de la revista Metal Edge Magazine dijo: «Otsego es un pueblo cercano al colegio al que iba en Otsego County, Michigan, y era un pueblo pequeño y deprimente. Allí había un tío llamado Dean y yo tenía su identidad falsa». Integrantes Actuales Wayne Static: primera voz, guitarra, programación. (1994-2010, 2012-Presente) Tony Campos: bajo, coros.(1994–presente) Koichi Fukuda: primera guitarra, programación, teclados. (1994–2000, 2005–presente) Nick Oshiro: batería. (2003–presente) Ex miembros Ken Jay: batería (la dejó debido a «diferencias musicales»). (1994-2002) Tripp Eisen: primera guitarra (expulsado debido a un escándalo sexual que involucraba a menores de edad).( 2001-2005) Discografía LP Wisconsin Death Trip (1999) Machine (2001) Shadow Zone (2003) Beneath... Between... Beyond... (2004) Start a War (2005) Cannibal (2007) Cannibal Killers Live (2008) Cult of Static (2009) Como "Wayne Static" Pighammer (2011) Año Título Discográfica Posición Chart Peak USA Ventas en USA Certificación 1999 Wisconsin Death Trip Warner Bros. Records #107 + 1 000 000 Platino 2001 Machine Warner Bros. Records #11 + 600 000 Oro 2003 Shadow Zone Warner Bros. Records #20 + 300 000 N/A 2005 Start a War Warner Bros. Records #29 + 213 000 N/A 2007 Cannibal Reprise Records #36 + 160 000 N/A 2009 Cult of Static Reprise Records #16 + 50 000 N/A EP Push It (1999) Black and White (2001) The Death Trip Continues (2000) Destroyer (2007) Sencillos Push It (1999) Bled For Days (1999) I'm With Stupid (2000) This Is Not (2001) Black and White (2001) Cold (2002) The Only (2003) So (2004) I'm the One (2005) Dirthouse (2005) Cannibal (2007) Destroyer (2007) Stingwray (2009) Año Título Posición Chart Álbum US Hot 100 US Modern Rock US Mainstream Rock UK 1999 Push It - #36 #20 - Wisconsin Death Trip 1999 Bled For Days - - #36 - Wisconsin Death Trip 2000 I'm With Stupid - - #38 - Wisconsin Death Trip 2001 Black and White - - #35 - Machine 2001 This Is Not - - #36 - Machine 2002 Cold - - #29 - Machine 2003 The Only - - #22 - Shadow Zone 2004 So - - #37 - Shadow Zone 2005 I'm the One - - #22 - Start a War 2005 Dirthouse - - #27 - Start a War 2007 Cannibal - - - - Cannibal 2007 Destroyer - - #23 - Cannibal 2009 Stingwray - - - - Cult of Static Cameos/apariciones La canción Bled For Days aparece en las bandas sonoras de las películas La novia de Chucky y Soldado universal, el retorno. La canción Push It aparece en la banda sonora de la película El diablo metió la mano. La canción Crash aparece en la banda sonora de la película Batman Beyond: el retorno del Joker. La canción Otsego Undead aparece en la banda sonora de la película Drácula 2000. La canción So Real aparece en la banda sonora de la película Scream 3. La canción SOM aparece en el disco recopilatorio MTV The Return of the Rock. La canción Burning Inside aparece en la banda sonora de la película El Cuervo 3: la salvación. La canción Behind The Wall of Sleep aparece en el disco Nativity In Black Volúmen 2 (Tributo a Black Sabbath). Static-X colaboró junto al rapero Dead Prez en la canción Hip Hop, incluida en el disco recopilatorio Loud Rocks. Hip Hop aparece en la banda sonora del videojuego Matt Hoffman's Pro BMX. La canción Love Dump aparece en la película Valentine. La canción This Is Not aparece en la banda sonora del videojuego Shaun Palmer's Pro Snowboarder. Jonathan Davis, el cantante de Korn, escribió una canción a la que Wayne Static puso voz para la película La reina de los condenados. Además, en esa misma película aparece la canción Cold. La canción Anything But This aparece en la banda sonora de la película Resident Evil. La canción The Only aparece los videojuegos Need For Speed: Underground y True Crime: Streets Of L.A.. Además, aparece en un episodio de Monster Garage y en otro de Carson Daly. La canción Skinnyman aparece en el videojuego Need For Speed: Most Wanted. La canción Deliver Me aparece en la versión de 2003 de la película La Matanza de Texas. La canción Push It aparece en la banda sonora de la película Torque. La canción Cold aparece en el videojuego Project Gotham Racing 3. La canción Start A War aparece en el videojuego WWE SmackDown! vs. RAW 2006. La canción No Submission aparece en la banda sonora de la película Saw 3. La canción Destroyer aparece en el anuncio del videojuego WWE SmackDown! vs. Raw 2008 en Australia. La canción Lunatic aparece en la banda sonora de la película Punisher: War Zone. Wayne aparece junto con Mike Shinoda, cantante de Linkin Park, en el vídeo de la canción It's Goin' Down del grupo The X-Ecutioners. La canción Love Dump aparece en el videojuego Brütal Legend. La canción Push It aparece en la película Furia en Dos Ruedas La canción Push It aparece en el videojuego Duke Nukem: Land of the Babes. Static-X actuó en un episodio de Carson Daly con la canción Cold. A Wayne se lo puede ver al principio del vídeo musical de Rebirth of the Temple, un tema de Silent Civilian. Numerosas canciones son usadas en algunos de los videos de deportes extremos -principalmente motocross- de la saga "Crusty Demons of dirt".......

Antidoping (banda)

Antidoping (banda) Antidoping es un grupo de reggae mexicano, originario de Coyoacán, Ciudad de México, que nació en el verano de 1992, como una banda pionera en el movimiento de reggae mexicano junto con Splash, Rastrillos, La Comuna y Ganja. Fue partícipe del Movimiento Razteca, unificador de los grupos de reggae de México, compartido escenarios con más de 18,000 espectadores. Discografía Búscalo (1996) Un Lustro Inyectado Ruido Positivo (1998) En vivo en San Cristobal de las Casas (Chiapas) (2002) Esfuerzo universal (2004) Tercera Raíz (2011) ANTIDOPING es más que una simple prueba para detectar sustancias tóxicas en el organismo, es una inyección vital de ruido positivo que nace al mundo musical en el verano de 1992. En medio de la sobredosis urbana de una ciudad tan grande y monstruosa como lo es la de México; desde entonces, ANTIDOPING continúa con el firme propósito de aprender, fomentar, y difundir una manera inquieta y libre de vivir por medio de la música reggae. ANTIDOPING combina elementos, raíces y formas del mosaico de la ciudad con el ritmo y el sabor del movimiento Rastafari para crear una alternativa dentro de las expresiones del medio musical del país. ANTIDOPING ofrece a quienes lo escuchan la posibilidad de sensibilizarse en cuerpo, mente y alma a través de un REGGAE fresco y comprometido plasmando de sus vivencias dentro de un abanico de conceptos que afirma sus convicciones hacia el respeto, la diversión, la paz y el reencuentro con la naturaleza y la humanidad. ANTIDOPING ha sido partícipe directo de Movimiento Razteca (unificador de los grupos de REGGAE de México) con los que han compartido escenarios con más de 25,000 espectadores. Se ha presentado en diversos foros, en las calles de la ciudad, en festivales y conciertos masivos. Asimismo, con su música a cuestas, ANTIDOPING ha visitado varias veces distintas ciudades de la República Mexicana así como realizado dos jiras por países de Europa con gran aceptación. ANTIDOPING, con una intensa labor callejera Y a lo largo de todos estos años con su particular y muy urbana manera de generar REGGAE, ahora presenta su cuarta producción y su tercera gira por Europa en este verano. Este trabajo sintetiza la forma de pensar y de hacer música de ANTIDOPING, Así pues, llega para administrarnos una sobredosis de vida y entusiasmo.

miércoles, 1 de mayo de 2013

Sho Hai Feat Shabu charlando Con El mismo Odio Album de Heavy Roots Volumen 1

Morodo Burning Song Su Nuevo VideoClip

Shotta

Shotta Biografía Se caracteriza por tener un estilo y letras irreverentes y corrosivas.En muchas de sus entrevistas cuenta que su influencia literaria viene de "la poesía de los malditos"y su mayor influencia en este ámbito es Charles Bukowski. Su nombre artístico se lo puso su hermano derivándolo de "chota" (vulgarmente cabezón).1 Su salto a la escena hip hop profesional fue en una colaboración, en el disco debut de Triple XXX. Sin embargo, se dio a conocer con el disco "Tu madre es una foca" que publicó junto a su hermano ToteKing. Este disco estaba pensado como el disco debut de Tote, que contaría con abundantes colaboraciones, pero debido a problemas económicos del sello se hizo inviable y acabó apoyándose en Shotta. De esta manera el disco salió con el nombre artístico de "ToteKing & Shotta". La carrera en solitario de Shotta se inicia con un LP titulado "La Selva". El título del disco fue elegido porque según sus propias palabras, su vida era una selva. El estilo del disco es bastante gamberro, como por ejemplo en el tema titulado "Más pajas", donde hace exaltación de la masturbación. Cuenta con colaboraciones de Hate, Rafael Lechowski, SFDK, Hablando en plata o Dogma Crew entre otros. En la portada aparece Shotta de pequeño escuchando Smif-N-Wessun con unos auriculares. El 23 de mayo del 2007 lanzó un nuevo maxi "Los Raperos Nunca Mueren", con tres temas instrumentales. Con este maxi se situó en el segundo puesto de singles más vendidos en la primera semana de salida. El día 2 de abril de 2008 se puso a la venta Sangre. Compuesto por 15 temas y en él colaboran El Niño, Kase.O, Tote King, Sicario, Capaz, Puto Loko, Gordo Master y Rafael Lechowski. En este disco se puede observar una clara evolución en cuanto a la madurez del estilo se refiere. Su último disco se titula "Profundo" y está producido en su totalidad por GriffiEn cuanto a las colaboraciones este disco tiene pocas, unicamente cuenta con la colaboracion de Wöyza y Tote King. Este disco ha sido muy criticado debido a el gran cambio en cuanto a estilo y temática. El 9 de abril de 2012 Toteking & Shotta anuncian que están trabajando en un nuevo álbum conjunto. Mientras tanto, presentarán sus trabajos en solitarios el próximo mes de junio en uruguay y argentina países que visitan por primera vez, y finalizan la gira en Santiago de Chile a donde regresan después de su última visita en el 2006. El dia 30 de Octubre saca junto a Tote king su disco en conjunto llamado Héroe, el cual cuenta con muchas colaboraciones entre las cuales destacan Kase.O, Gordo Master, Swan Fyahbwoy, Frank T (en producción), entre otras. Este último disco contiene una canción titulada "Voy a.."en la que Shotta se consolida como uno de los mejores letristas de este país,siendo la canción con más visitas de todo el disco con su hermano y "haciendo llorar"textualmente a cientos de oyentes,sin duda las letras irreverentes y sin sentido se han terminado para este artista,que avanza hacia otro camino mucho más maduro y con mucha furia concentrada en hacer buenas canciones. Estilo Su estilo se caracteriza por su irreverencia, con ácidas letras hardcore y satíricas contra instituciones como la Iglesia o la policía. En sus canciones encontramos referencias a la cultura popular, como películas de serie B. Podría enmarcarse en la corriente del "rap enfermo" andaluz, en la estela de Dogma Crew o Hablando en Plata, llegando al horrorcore en ocasiones. Citas famosas de este letrista: "Cráneo y temperamento las 2 partes más duras del cuerpo" "Dios ayuda pero no siempre acierta! "Nací un dia que Dios estaba enfermo" "Voy a hacer que tiemblen de felicidad inocente voy a hacer que lloren de alegría..vente" "No quedan lágrimas en el mar de mis pupilas" "Escribo canciones de amor con la capucha puesta en casa" "El dinero no puede llena el kharma,el único instrumento que toco es el alma" "¿Estas borracho? Yo no. Estoy como una botella... Lleno de alcohol... ¿Están borrachas las botellas?" "El amor es la única religión capaz de vencer al miedo" Discografía Con ToteKing Artículo principal: Discografía de Tote King y Shotta. "Nada Pa Mí" (Maxi) (Superego, 2002) "Tu Madre Es Una Foca" (LP) (Superego, 2002) "Héroe" (LP) (Sony Music, 2012) En solitario Artículo principal: Discografía Shotta. "La Selva" (LP) (El Diablo/Discos Creador, 2004) " Los Raperos Nunca Mueren" (Maxi) (BoaCor, 2007) " Sangre" (LP) (BoaCor, 2008) " Profundo" (LP) (BoaCor, 2011) Videografía Sangre (2009)2 Profundo (2011)3 Buenos días (2012)4 Colaboraciones Año 2001 Tote King "Big King XXL" (2001) en la canción "Pepino" Año 2002 Legendario "Tinta eskizofrenika" (2002) en la canción "Elias Maluko" Triple XXX "Sobran las palabras" (2002) en la canción "Bellota´s Konneshion" Flowklorikos "Zerdos y diamantes" (2002) en la canción "Kloroformo En El Entorno" Año 2003 Jesuly "Pa tu pescue" (2003) en la canción "Agashate Y Shupala" Jefe de la M "Entra el dragón" (2003) en la canción "La Gran Huida" Keyo "Fuego abierto" (2003) en la canción "Sucios" Zonah "Tiempo de perros" (2003) en la canción "Me La Suda" Año 2004 ToteKing "Música para enfermos" (2004) en la canción "Suenan Las Alarmas" Acción Sánchez "Terror en la ciudad vol.1" (2004) en la canción "Exclusivo" Acción Sánchez "Creador series vol.1" (2004) en la canción "La Cuenta Atrás" Triple XXX "Primera clase" (2004) en la canción "Zarkorriendo" Jesuly "El escorpión" (2004) en la canción "Pijos pajos" Año 2005 Sólo los Solo "Todo el mundo lo sabe" (2005) en la canción "Rock On Da Mic" Año 2006 El Tralla "Las calles hablan" (2006) en la canción "Malos Consejos" Dj Lázer "Depresiones" (2006) en la canción "Exclusivo" Dekoh "Mi Teoría" (2006) en la canción "Cállate" Gordo Master "Mi puerta (2006) en la canción "Números Rojos" Quiroga "Historias de Q" (2006) en la canción "Vampiro" SFDK "Original Rap University" (2006) en la canción "Ternera podrida" Año 2007 Puto Largo "Inspiración" (2007) en la canción "El arte de la guerra" El Niño "En Blanco Y Negro" (2007) en la canción "Yo lo vi" Reserved for Dogs "Reserved for Dogs Vol. 2" (2007) en la canción "Y por que yo no" Chacho Brodas "Los Impresentables" (2007) en la canción "Viene la policía" Año 2008 Método Shintaro "Los sin nombre" (2008) en la canción "Foulaif" Niko "Sevilla Players" (2008) en la canción "Sevilla Players Remix" DJ Pera "Periplo" (2008) en la canción "Yo soy el joker" Dogma Crew "La Octava Plaga" (2008) en la canción "6 millones de maneras de morir" ToteKing "T.O.T.E." (2008) en la canción "Ven" Año 2009 Zero Positivo "El Antídoto" (2009) en la canción "El antídoto" Rosa Rosario "El Oido Del Escritor" (2009) en la canción "Disturbios" Estrellas Del Porno "Hijos Del Flujo: El Album" (2009) en la canción "Micrófono estampida" Picos Pardos "Game Over - Lost Projects Vol.1" (2009) en la canción "Bailando con lobas" Año 2010 Legendario "Mis Armas Favoritas" (2010) en la canción "La atracción principal" El Niño "Punky Rap" (2010) en la canción "Halloween" Hermano L en la canción "No nos podrán parar" Año 2011 Egoliat "La venganza del Tímido" (2011) en la canción "Bicho raro nunca muere" Lapiz conciente en la canción "3 Generales" Celedonio "Speak Clear" (2011) en la canción "Speed flames" Año 2012 Jotandjota "Sincericidio" (2012) en la canción "Lo he vuelto a hacer" Victor Rutty "Generacion Perdida" (2012) en la canción "E.L.L.A" Véase también

Love and Death (banda)

Love and Death (banda) Formación de la Banda El grupo es en realidad un cambio de marca del grupo que realizó giras bajo el nombre de Welch para promocionar su álbum en solitario. Formado en 2009, Welch habia reclutado músicos a través de audiciones abiertas a través de YouTube, y las audiciones de segunda ronda, en persona, en su estudio en Phoenix, Arizona. El grupo original era un grupo de seis piezas, que contó con Michael Valentine en el bajo, Ralph Patlan en la guitarra, Brian Ruedy en el teclado, Scott "SVH" Von Heldt en guitarra y voz y Dan Johnson en la batería. Después de dos años de gira, Von Heldt abandonó la banda debido a razones financieras, El grupo lanzó un single, "Paralyzed" en noviembre de 2011, bajo el nombre Brian "Head" Welch. En febrero de 2012, se rebautuzo como Love and Death marcando en inció de Brian Welch en la esecena de musical cristiana del rock en los Estados Unidos ya que desde el momento de su ruptura con Korn anunció su vinculo con la música cristiana, La web oficial de KoЯn anunció que "ha escogido a Jesucristo como su salvador, y desde ahora dedicará su música a ese propósito". Love and Death fue anunciada oficialmente en febrero de 2012 a través de una declaración oficial hecha por Welch a traves de su cuenta en youtube anunciando el nacimiento de su nueva banda. Chemicals (2012) La nueva banda saco a la luz el primer single oficial de la banda llamado "Chemicals", que fue lanzado en el mes de marzo, mientras que un álbum del mismo nombre, se tenie previsto ser lanzarlo al mercado cristiano y secular el 24 de abril de 2012. Welch reveló en su cuenta de Twitter que estarían haciendo un cover de la canción de Devo Whip It. Between Here and Lost (2013-presente) A finales de septiembre de 2012, la banda anunció que había firmado un acuerdo con dientes sello discográfico y Nail Records y el álbum debut del grupo, Between Here and Lost sería puesto en libertad el 20 de noviembre. En el álbum, Welch declaró que "Este disco nació de los ensayos, tribulaciones, dolor, el sufrimiento, la ansiedad, la depresión, y el drama. Sin embargo, llegó a la cima y el resultado final es muy real, grabar crudo y honesto". Miembros de la banda Brian "Head" Welch – Guitarra, Vocalista principal(2012–presente) Michael Valentine – bajo, coros (2012–presente) JR Bareis – Guitarra lider, coros (2012–presente) Dan Johnson – bateria (2012–presente) Discografía Chemicals (2012) EP Between Here & Lost (2013)